Les fulgurances d' Antonin Artaud, possédé par sa folie, dévoré par sa "sur-acuité"

Antonin Artaud n'a jamais cessé d'écrire que pour dire qu'il souffrait.

Antonin Artaud a écrit pour ceux "qui viennent d'ailleurs",  pour ceux qui "cherchent le sens"

Antonin Artaud a écrit pour ceux qui manquent de mots, pour qui le langage n'est rien d'autre qu' "imperfections et pertes de repères".


La grande théorie d'Antonin Artaud tend à affirmer clairement que ce n'est pas le texte qui fait le théâtre mais que c'est la mise en scène qui est le véritable fondement de la création théâtrale. Cette idée qui se heurte à toute une tradition est exprimée dans cette citation sur un mode polémique puisqu'elle commence par "pour moi". D'autre part Artaud utilise des mots très forts, catégoriques qui ne laisse pas d'équivoque quant à leur interprétation : "nul", "n'a le droit". Artaud centre donc sa réflexion sur le mouvement des acteurs qui ont pour dessein de dématérialiser le texte par leurs déplacements dans l'espace, mais il prend également en considération la musique, le son, les éclairages, les accessoires, les costumes... Artaud s'oppose catégoriquement au théâtre tel qu'il est en Occident. La notion de mise en scène est extrêment récente, elle date du XIXème, époque où Antoine a fixé la fonction de la mise en scène dans le théâtre. Avec Artaud, on dépasse encore cette position et l'on aboutit à une importance capitale de la mise en scène, sans laquelle le théâtre n'est rien.

Cette position extrême passe par trois points principaux :

1 - le rejet du texte
2 - Le remplacement du texte par le langage théâtral
3 - Le renouvellement de la fonction du théâtre par le public, ce qu'il met sous l'expression "théâtre de la cruauté".


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Le théâtre du Cartel dont se rapproche Artaud désigne le regroupement de 4 metteurs en scène qui décide de travailler le théâtre en communauté (Jouvet, Charles Oullin, Gaston Baty et Georges Pitoeff). Ces metteurs en scène travaillent sur des grands textes (par opposition au théâtre de boulevard) mais aussi sur quelques textes modernes (comme ceux de Giraudoux, Claudel, Genet ou Beckett). Artaud, lui, va refuser les textes classiques dès les années 1930.
Ce rejet s'identifie d'abord à celui que font les surréalistes qui disent prendre de la distance par rapport à tout ce qui est "littéraire". Si Artaud s'inscrit d'abord dans les mouvements surréaliste et dadaïsts, il va très vite plus loin puisqu'il refuse la pensée marxiste vers laquelle se dirige Breton, ce qui le pousse à la rupture avec eux. De plus, Artaud reproche aux surréalistes de s'en prendre au langage articulé et à la communication ordinaire alors qu'ils utilisent toujours l'un et l'autre. Artaud, lui, refuse catégoriquement le langage articulé, quelle que soit la forme qu'il prend, qu'il soit oral ou écrit, ce qui le pousse à refuser également les liens logiques qui existent entre les mots.

Dans ce rejet, Artaud inclut également le refus des chef-d'oeuvres, il veut "en finir avec les chef-d'oeuvres". Il refuse de se référer sempiternellement à eux mais se tourne vers une nouvelle création, vers le renouvellement de ces chef-d'oeuvres par une nouvelle écriture qui rompt avec les traditions passées. Artaud prend l'exemple d'Oedipe Roi : il révèle bien "le rythme épileptique et grossier de ce temps", mais il montre aussi que le texte ne convient plus à notre époque.

Artaud pose donc les problèmes dus au langage lui-même : c'est pour Artaud un type de communication qui est totalement abstrait, qui a de plus perdu sa force dans son rapport avec la réalité ; il y a indubitablement une distorsion entre la réalité telle qu'elle est et la réalité telle qu'elle est exprimée par le langage. Le type de langage occidental comporte une "parole ossifiée" et ses mots sont "gelés". Comme Mallarmé, il pense que les mots ont perdu de leur pouvoir évocatoire, leur force musicale et le moyen qu'ils avaient de provoquer une émotion. Ils rejoignent tous deux Claudel pour lequel le poète a pour fonction de renommer le mot, de se remettre dans la peau du créateur quand celui-ci a donné un nom aux choses. Artaud déplace cette conception au domaine théâtral après avoir détruit le langage pour mieux le refuser.

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Ironie de l'histoire que ces hommages rendus au génie torturé, au poète, au cinéaste, au dessinateur, à l’homme de théâtre qui refusait l'institution et choisit la marginalité.
Lui écrivait pour témoigner de sa souffrance "même si il n'avait rien à dire" et pour les "analphabètes" . Doit on comprendre que comme Deleuze, il écrit au nom des analphabètes, donnant la langue à ceux qui n'en n'ont pas, ou qu' il écrit pour nous tous qui sommes tous des analphabètes, et ainsi nous rappeler que la langue et le sens nous échappent toujours ? Ne pas manquer le seul de ses films qui fut réalisé "Le coquillage et le clergyman" (1927) où là encore le langage cinématographique est non verbal, non linéaire , mais onirique et poétique.

Avec ses dessins, son rapport au corps le place dans la famille de Francis Bacon, tant le visage humain est ici, convulsion, cri.

Poignant, ce parcours, ces textes,  font toucher du doigt la complexité et le génie fulgurant d’un homme dévoré par sa « sur-acuité ».

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J’ai d’abord essayé de lire l’Ombilic des Limbes, mais la lecture était si ardue, et le texte si pesant… que je l’ai vite abandonné.


Plus tard, j’ai accordé à son oeuvre une seconde « chance » en abordant Van Gogh ou le société de la société. Il s’agit d’un essai sur le fameux peintre hollandais. Il semblerait qu'il l'ait composé après avoir parcouru une rétrospective sur l’œuvre de Van Gogh en 15-20 minutes. C’est que Artaud et l’œuvre de Van Gogh sont comme deux énormes nuages : lorsqu’ils sont entrés en contact, la pression était si forte, il y eut des fulgurances On sent l’énergie de cet éclair dans chacun des mots, dans chacune des lettres de son essai. Van Gogh ou le suicidé de la société est chargé de vie frénétique et démente qui m’a électrocuté, j'ai reçu des décharges, par à-coups...

Essentiellement, que dit cet essai ? Dans une forme inouïe, dont l'ardente créativité déferle « avec » le contenu, Antonin Artaud revendique le droit au délire, à la folie comme révolte contre tout système et contre tout ce qui emprisonne la pensée. Il veut atteindre à une « lucidité supérieure » par la « désagrégation de l’esprit. » C’est exactement ce que Van Gogh a fait : « Mais Van Gogh a saisi le moment où la prunelle va verser dans le vide, où ce regard, parti contre nous comme la bombe d’un météore, prend la couleur atone du vide et de l’inerte qui le remplit. » Or la société réintroduit l’opposition esprit/corps chez le fou authentique et, ainsi, l’assassine. Van Gogh était fou. Ce jugement implique une prétendue connaissance de ce qui est bon; et pour le docteur Gachet, c' est bien l’état normal des facultés, le bon sens. « Hyper-lucide », Artaud voit bien ce que ça veut dire : les docteurs et la société « croyaient détenir l’infini contre lui. » Van Gogh s’est tué à cause de son inadaptation à ce que la société considérait comme le bien. Autrement dit, en essayant de réintroduire le bon sens et le sens commun (conformisme bourgeois) chez Van Gogh, la société (Gachet engagé par l’État…) a engendré une discordance fatale entre ses facultés mentales (esprit) et son corps. Et quelques heures avant de se suicider, lors de sa crise ultime, Van Gogh a pu saisir qu’il ne supportait plus son inadaptation.

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C'est sa vision personnelle de l'art de la scène, retranscrite dans 'Le théâtre et son double', qui a marqué les mémoires. Souffrant d'irréversibles troubles psychiques qui l'ont défiguré, il s'est attaché à décrire les mécanismes de la pensée dans de nombreux poèmes en prose. Comédien à ses heures, Antonin Artaud a joué dans 'La passion de Jeanne d'Arc' de Dreyer et dans 'Napoléon Bonaparte' d'Abel Gance

littérature rive gauche écriture

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